ALICE IN WONDERLAND

Voglio consigliarvi, prima di inizaire a leggere questo articolo, un libro si intitola “NAXOS – avanzare verso il passato” è un libro di avventura : http://libronaxos.jimdo.com/

 

Il film è diretto da Tim Burton e segue i due libri Le avventure di Alice nel paese delle meraviglie e Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò di Lewis Carroll.

Il produttore esecutivo è Peter M. Tobyansen, mentre le case di produzione sono Walt Disney Pictures, The Zanuck Company, Team Todd, Tim Burton Animation Co.

Di seguito scrivo in pillole le caratteristiche del film, è possibile che vengano aggiunte ulteriori curiosità o interventi riguardanti la realizzazione del film.

-Gli effetti speciali sono costati 180.000.000 euro, effetti speciali assegnati alla Sony Pictures ImageWorks e la post produzione è durata 2 anni.

- Per ricostruire l’ambientazione giusta del romanzo, sono stati costruiti dal nulla interi quartieri che risalgono all’età vittoriana, ma soprattutto sono stati disegnati e realizzati tutti i costumi dell’epoca

-A volte vengono usati metodi pratici e non effetti speciali come ad esempio in alcune scene, Alice è stata posizionata su rialzi di legno per apparire piu’ alta di tutti. Nella foto sotto si nota a destra alice che si trova sopra un rialzo appunto, mentre la regina appoggia i suoi piedi su un cuscino verde portato da una persona in tuta verde , questa sarà la scena della regina che appoggia i piedi sul maialino.

-Nella scena in cui Alice risulta essere alta 6 metri nel salone circolare in  realtà è stata ricreata una porzione della stanza in miniatura come sono state realizzati tutti gli oggetti in questa maniera.

-Matt Lucas è stato scelto per interpretare Panco Pinco e Pinco Panco ma non poteva recitare la parte dei due personaggi insieme, perciò è stato chiamato Actor Ethan Cohen che ha interpretato l’altro personaggio, ma questo non appare mai, è stato usato solo come figura di riferimento a Matt che invece appare nella scena.

-Crispin Glover interpreta Stayne, il Fante di Cuori, nel film, ma solo la sua testa appare sullo schermo. Tutto il corpo dell’attore è stato ricostruito in 3D, corpo alto 2 metri, ma anche il mantello e la benda sono stati costruiti in digitale. Sul set, Glover  ha indossato un vestito verde ed era sui trampoli per sembrare più alto. Il suo viso è stato truccato in maniera precisa per il ruolo.. Solo il suo volto è reale. Questo indossa una benda che è nera se fa azioni malvage, ma diventa rossa se si trova nelle vicinanze della regina. Crispin Glover, che ha trascorso moltissimo tempo sui trampoli durante la produzione, si è slogato una caviglia durante le riprese di una scena, dopo questo incidente la produzione ha assunto persone e messe in tuta verde nelle scene girate con lui, questi dovevano assisterlo in caso di una nuova caduta. Nelle foto sotto si vede bene l’attore sui trampoli e le persone in verde in ginocchio che lo assistono in caso di una caduta.

-Helena Bonham Carter è rimasta sotto le mani esperte dei truccatori per 3 ore, questo ogni mattina. La costumista Colleen Atwood ha aggiunto un cuore rosso sulle suole delle scarpe della Regina Rossa, visibili solo quando la regina usa il suo maialino come appoggiapiedi.

-Tim Burton voleva che i personaggi degli animali sembrassero reali e non dei cartoni animati.

Per creare Bianconiglio, gli animatori hanno passato una giornata in  un rifugio per conigli abbandonati, i digital artist così hanno potuto osservare questi animali e filmarli per riuscire a catturare i dettagli che sono stati poi riportati nel film.

Il regista ha scelto di girare il film in 2D e di convertirlo in un secondo momento in formato 3D. Egli è rimasto così tanto impressionato dal risultato ottenuto con la conversione in 3D di “The Nightmare Before Christmas”, da voler seguire un percorso simile per “Alice in Wonderland”.

Ralston e il suo team hanno realizzato complessivamente oltre 2.500 riprese di effetti speciali.

Per questo film sono state usate molte tecniche di animazione digitale: è stato usato il motion-capture, che ha dato la possibilità agli animatori di modellare i veri attori in postproduzione, come il Brucaliffo; alcuni attori, invece, come il Cappellaio Matto, non hanno interagito live con attori o elementi di scena reali, per rappresentare sul set i personaggi e oggetti in 3d, la produzione ha utilizzato figure di cartone, modelli a grandezza naturale oppure è ricorsa all’utilizzo di uomini vestiti di verde che hanno avuto la funzione di diventare veri e propri punti di riferimento a cui gli attori potevano rivolgersi durante la recitazione, ovviamente vestiti di verde per non apparire nella scena venendo “eliminati” in postproduzione con software particolri. Nelle foto di seguito possiamo notare i riferimenti che hanno aiutato gli attori a recitare nel “nulla”,  la regina rossa, nella prima foto, si rivolge ad una rana in cartone e nella seconda fotografia i due personaggi si affacciano da una balconata verde. Nella terza foto vi è la scena del Cappellaio Matto con il Fante intorno alla tavola e vi è una persona seduta a tavola con la tuta verde a fare da riferimento a Deep.

Per la creazione dei personaggi in digitale, la Imageworks è partita dai disegni dello storyboard creando poi una prima versione a bassa risoluzione del personaggio e inserendolo in un’ambientazione tutto in digitale. Dopo aver creato l’animazione, è stata composta una versione ad alta risoluzione del personaggio, verificata su un modello più dettagliato, “pit render”

Quando gli animatori hanno studiato le fotografie di veri bruchi per realizzare il Brucaliffo, si sono resi conto che questi animali sono coperti di piccoli peli. Perciò Absolem il Brucaliffo è arricchito da una peluria completamente generata al computer.

Sono molti i set reali che sono stati costruiti per il Paese delle meraviglie. Infatti, solo tre versioni del Salone Circolare (dove Alice atterra dopo essere caduta nella tana del coniglio) e la prigione erano set reali. Tutto il resto è stato creato digitalmente.

Gli occhi del Cappellaio Matto sono stati leggermente allargati, fino a ingrandirli del 10-15% rispetto a quelli di Johnny Depp.

Quando gli animatori hanno cominciato a disegnare il Dodo, essi hanno prima svolto ricerche su Google, e poi hanno consultato il Museo di Storia Naturale di Londra.

Per far si che la testa della regina rossa venisse raddoppiata, in postproduzione, senza perdere la qualità del girato stesso, è stata utilizzata la Dalsa, una cinepresa speciale 4K ad altissima definizione e con una risoluzione di 4000 pixel. Anche la vita e l’attaccatura dei capelli sono stati modificati in digitale.

Allora a questo punto ci domandiamo quale è la novità introdotta in “Alice Nel Paese delle Meraviglie”: essa è l’uso della Disney Digital 3 D, tecnologia utilizzata anche per la versione rimasterizzata di The Night Before Christmas originariamente girato col metodo stop-motion (si fotografano manualmente modellini a tre dimensioni). Tale innovazione digitale, invece, rende tridimensionali le figure proiettate su schermi speciali e nelle intenzioni di Tim Burton vuole essere un valido strumento per rappresentare l’immaginario fantasy.

Disney Digital 3-D non va confuso con RealD o altri sistemi di proiezione 3-D, poiché è esclusivamente un metodo di produzione dei film, non di proiezione. I prodotti realizzati con questo sistema, infatti, possono essere proiettati con RealD, ExpanD, Master Image e Dolby 3D.

Lo sapevate che Tim Burton ha letto il libro a 10 anni ma non gli piacque :” In effetti Alice nel paese delle meraviglie non piace neanche a me. Trovo Alice troppo saccente e un po’ antipatica ma ho scoperto poi con gli anni che Lewis Carroll l’ha creata così apposta, per avere un punto di vista fermo e razionale nel pazzo mondo che lei visita”.

AVATAR : RECORD D’INCASSI

Voglio consigliarvi, prima di inizaire a leggere questo articolo, un libro, si intitola “NAXOS – avanzare verso il passato” è un libro di avventura : http://libronaxos.jimdo.com/

 

Film diretto da James Cameron con la sceneggiatura scritta dallo stesso regista, il produttore esecutivo è Colin Wilson distribuito dalle 20th Century Fox, Giant Studios, Lightstorm Entertainment

Steven Spielberg ha proclamato lo “spettacolo emozionale”.

Cameron ha portato Avatar in prima posizione nella classifica dei films che hanno incassato di piu’ superando dopo 12 anni  Titanic, diretto da Cameron stesso, che ha incassato 1,843,201,268 $ . Avatar ha incassato per ora $2,559,189,000 (aggiornato al 8/03/10)

Questo film ci porterà in un aspetto nuovo del cinema digitale, simile ad un cinema in stereoscopia in cui lo spettatore si trova immerso in pieno, in questo modo le barriere tra regista e spettatore vengono abbattute.

Vi è stato un grandissimo successo in USA, la gente è rimasta stupefatta da questo film in versione stereoscopica (visione con gli occhialini) dichiarandolo il più affascinante tra i film usciti in questa modalità; un record si è avuto nel formato IMAX(è un sistema di proiezione della pellicola cinematografica che ha la capacità di mostrare immagini con una grandezza ed una risoluzione molto superiore rispetto ai sistemi di proiezione classici) con un ricavo di $ 9,5 milioni, pari a circa il 13% del totale nazionale lordo. Greg Foster,  Presidente della IMAX Filmed Ent, si ritiene soddisfatto del lavoro e dell’investimento che ha fatto in questo film, ha lavorato a stretto contatto con il regista fornendo diverse versioni come qullo in 2D, Digital 3-D e la versione IMAX 3-D. Il film è lo stesso ma ognuno ha la sua sfumatura.Grazie a un vasto archivio di fotografia virtuale creato da Rob Legato, che permette a Cameron di osservare direttamente su un monitor LCD come i personaggi e  gli attori in CG , interagiscono con Pandora CG nelle scene in tempo reale .

L’ambiente circostante è stato creato completamete in un secondo momento in 3D da aziende specializzate in ambiantazione digitale. Cameron ha voluto creare un mondo del tutto nuovo, Pandora, partendo da zero: montagne sospese nell’aria, foreste pluviali rigogliose e popolate da una fauna tanto immaginaria quanto incredibilmente credibile. Ma la sfida più difficile è stata creare i Na’vi, la popolazione aliena che se in alcuni tratti si avvicina alle fattezze umane, per dimensioni e movimenti se ne discosta quanto più possibile. Per rendere avatar e alieni simili agli attori che li interpretano è stata utilizzata una tecnica chiamata “performance capture” che adotta un casco con minivideocamera con lente grandangolare puntata sul volto degli attori. Questa tecnica consente di catturare le espressioni facciali di attori reali per applicarli ad un personaggio virtuale. I sensori sono molto piccoli e posizionati soprattutto sul volto dell’attore

 

Per lavorare al meglio si è fatto uso del programma Motion Builder che riesce a gestire anche le ombre e l’ illuminazione.

I volti sono stati modellati con il programma Maya e i suoi plug-ins.

La Weta ha lavorato sul monitoraggio e sulle espressioni faccciali tramite il FACS (l’animazione facciale sistema di codificazione sviluppato da Paul Ekman). Ogni scena veniva seguita non più da una, ma da pià telecamere. Essa ha creato un risolutore ottico per calcolare il movimento degli occhi e quindi dello sguardo in postproduzione e quindi in digitale.

ILM ha lavorato sulla  navetta, il Sansone, lo Scorpione e gli elicotteri Drago e il vestito AMP.

Grandi passi avanti sono stati fatti con le esplosioni ILM ha creato uno strumento che permette di personalizzare  un’ esplosione in alta qualità, questa può essere controllabile e può interagire strettamente con gli oggetti in 3D. Le esplosioni sono simulazioni di fluidi; tuttavia, ci sono state modifiche al motore, in modo che si comporti adeguatamente al volume di espansione del gas e portando in giro gli attributi di temperatura. Lo shader prende l’intera rete di densità di volume e lo fa apparire come fuoco.

Il regista ha usato una telecamera speciale capace di modificare l’inquadratura nel mondo virtuale semplicemente muovendosi con qusta telecamera tra le mani nello spazio reale.

Per la prima volta è stata usata la simulcam, una speciale cinepresa in grado di vedere anticipatamente, in tempo reale, tutta la scena costituita da ambiente in 3D attori veri e in digitale.

Molte texture e sfondi grafici ad alta risoluzione sono stati creati con  Adobe Photoshop. Nelle prime fasi della produzione è stato usato Adobe After Effects per animare le illustrazioni statiche che hanno costituito la prima bozza della sceneggiatura; in una fase successiva, invece, il programma è servito per automatizzare l’integrazione grezza dei volti degli attori reali (ripresi con una speciale minivideocamera fissata ad un caschetto) con quelli degli Avatar e dei Na’vi.

Il montaggio finale del film e le fasi di editing creativo sono state realizzate utilizzando un sistema basato su AVID, ma durante la produzione il regista si è servito di Adobe Premiere Pro per renderizzare singole scene girate in HD, verificare così la resa dei Visual Effects e fornire ai montatori Avid indicazioni per integrare i nuovi tagli nel progetto definitivo.

Curiosità:

In aprile sono state girate alcune sequenze a Los Angeles ed altre in Nuova Zelanda per risparmiare e avere incentivi economici. Il film è composto per un 60% da elementi virtuali creati al computer e per il restante 40% da elementi live-action. Durante la post-produzione, per 31 giorni si sono utilizzati gli studi di Playa Vista, Los Angeles.

In giugno, un gruppo di production designer è stato in visita all’impianto di trivelle Nobile Clyde Bourdeaux (Golfo del Messico) per filmarne, fotografarne e misurarne ogni perimetro; ciò è dovuto al fatto che per costruire la colonia di Avatar in digitale ci si è dovuti basare su un modello reale

Su invito di Cameron, gli amici e registi Steven Spielberg e Peter Jackson hanno visitato il set una volta ultimato. Essi inoltre saranno i primi a poter testare l’innovativa tecnologia fotografica.

Ogni attore ha effettuato uno specifico allenamento per poi recitare sul set, questo perchè ci sono molte parti che chiedono una certa atleticità e certi movimenti, anche perchè la performance capture deriva dalla recitazione fisica dell’attore.

Gli attori sono stati portati in una zona delle Hawaii per far capire come s vive e come ci si muove all’interno di un certo ambiente; sono stati portati anche in montagna per dare loro i maggiori riferimenti da riportare poi nel film

L’incasso attuale è di $2,559,189,000 (aggiornato al 8/03/10) e ci sono voluti 237 milioni di dollari per la produzione più altri 150 per marketing e promozione

I record

• maggiore incasso nelle proiezioni di mezzanotte: 3,5 i milioni di dollari
• maggiore incasso nel giorno d’apertura: 26.752.099 dollari
• incasso complessivo nel secondo giorno d’apertura: 27,5 milioni di dollari
• incasso complessivo nel primo weekend: 80 milioni di dollari
• incasso durante il weekend di Natale negli Stati Uniti: 16,4 milioni di dollari
• incasso complessivo in due settimane: 283.811.000 dollari
• incasso complessivo in 16 giorni: 300 milioni di dollari
• maggiore incasso nel terzo weekend: 67 milioni di dollari (per un totale di 350 milioni di dollari)
• incasso mondiale in 17 giorni: 1.018.811.000 di dollari
• maggiore incasso a fine del terzo weekend in tutto il mondo: 1,02 miliardi di dollari

Visto il riscontro molto positivo del film Cameron ha annuinciato che verranno girati altri due films successivi a questo

Novità

Con Avatar è stao possibile creare il mondo digitale e far recitare gli attori veri in questo mondo 3d e vedere il tutto subito, proprio mentre le scene venivano girate. Cameron ha cambiato il modo di girare film in 3d, ora il film digitale puo’ essere visto prima della postproduzione, come se fosse un film normale

Non è mai stato creato un mondo intero con elementi e forme di vita propri e in scala mai vista. Prima potevano essere creati singolarmente e poi assemblate insieme grazie ad un lavoro e computer potenti.

Di seguito pubblico le foto di come gli attori hanno recitato con una tuta con applicati sopra dei sensori di movimento, questi sensori hanno regitratro ogni minimo spostamento e trasferito tutto a dei computers. Successivamente i modelli disegnati in 3D sono stati associati a questi sensori prendendo il movimenti registrati dagli attori in carne e ossa, sto parlando del sistema Motion Capture.

SHERLOCK HOLMES

Film diretto da Guy Ritchie, i produttori esecutivi sono Steve Clark-Hall, Bruce Berman, mentre è stato distribuito dalle case Lin Pictures, Silver Pictures, Village Roadshow Pictures, Wigram Productions.

Il regista inizialmente doveva essere Neil Marshall, ma ha abbandonato il ruolo per dedicarsi completamente a  Doomsday e la prima sceneggiatura è stata scritta da  Michael Johnson, sceneggiatura affidata poi a Simon Kinberg, Mike Johnson, Anthony Peckham e allo stesso Guy Ritchie.

Le riprese sono durate tre mesi e le città  sono state Londra, Manchester e Liverpool. Il film doveva uscire nel 2010 solo che sono stati rapidi i lavori di preproduzione, produzione e postproduzione e il film è uscito il giorno di natale del 2009.

Per realizzare questo film ci sono voluti 850 colpi riguardo gli effetti speciali, realizzati dalla  Double Negative e dalla  Framestore.

Gli effetti speciali riguardano tutti i trasporti, viaggi in barca e Baker Street, questa è stata ricostruita mettendo otto case in fila su un lato e il resto è stato ricostruito in digitale lavorando in maniera precisa sul movimento di persone e delle carrozze.

Gli effetti speciali hanno avuto un ruolo importante nell’ambiente, infatti il film si colloca in una Londra del 1891, ci sono voluti quindi lavori digitali ma anche edili, e per avere una città fedele a quegli anni si sono visionate molte fotografie.

Il Tamigi e il il Tower Bridge sono elementi fondamentali, come sono fondamentali gli edifici che si affacciano sul fiume non sopravvissuti al bombardamento della prima e seconda guerra mondiale.  Per sostituire la Londra moderna con quella di fine ottocento la Double Negative ha lavorato su un vasto archivio fotografico riguardante mulini, chiese, edifici residenziali e fabbriche, per avere una città la più simile possibile a quella di epoca vittoriana.

La Double Negative ha creato il fuoco che avvolge Standish dopo aver sparato, hanno lavorato anche sui riflessi e sulle ombre sulle pareti dell’edificio.

E’ stato costruita poi una torre di 30 metri e con l’aiuto di uno stuntman, del greenscreen e di un manichino si è potuto realizzare il volo effettuato dal personaggio in fiamme, infatti lo stuntman si è gettato dalla torre con dietro i pannelli verdi, successivamente è stato lanciato dalla torre un manichino e le due riprese sono state montate e sostituite per rendere al meglio il volo, mentre i pannelli verdi sono stati sostituiti, in digitale, con l’ambiente circostante. Il fuoco e le ombre sono stati lavorati in alta definizione e il rendering ha avuto una lavorazione più sofisticata.

Nelle immagini sotto si nota lo stuntman avvolto dalle fiamme che si lancia dalla torre completamente verde (greenscreen), questi pannelli verdi in postproduzione verranno sostituiti con le immagini in digitale e riprese realmente. Nella seconda immagine si notano due persone che con estintori spengono il fuoco che avvolge lo stuntman

Fantastica è la scena dell’esplosione all’esterno dell’edificio, ovviamente non si potevano girare scena con il fuoco così vicino agli attori, quidi si è pensato di creare una scena a ralentatore, a 120 fotogrammi al secondo. Sulla scena sono state poste delle bombole che simulavano le esplosioni con solo l’aria e una debole fiamma, questo per avere anche una reazione reale degli attori alle esplosioni stesse. E’ stato poi ricostruito tutto l’ambiente in greenscreen ed sono state fatte espoldere veramente delle parti dell’edificio ricostruito e il tutto ripreso ad alta velocità. Successivamente è stato montato tutto insieme  controllando i movimenti delle due telecamere. Sono state create delle sagome verdi dei due attori in maniera che il fuoco avvolgesse le due sagome sostituite con gli attori veri in postproduzione. Gli ultimi tocchi sono stati fatti grazie al digitale, sia sul fuoco stesso che a idetriti che volavano durante l’esplosione.

Nell’immagine qui sotto si notano i due attori che recitano con una bombola che simula un’esplosione il getto è molto debole ovviamente, davanti agli attori vi è un addetto con una bombola che spara addosso ai due personaggi un getto d’aria forte per simulare lo spostamento d’aria provocato dalle esplosioin ricostruite in digitale in postproduzione.

Un’altra scena fantastica è lo sgancio della nave in costruzione. E’ stata creata una parte di nave, alta 20 metri e lunga 200 metri. La nave ricostruita in digitale viene messa in scena e sostituita a quella ricostruita realmente quando questa viene sganciata e scivola nel Tamigi. La scena è stata ricostruita dalla Framestore che ha dovuto lavorare anche sul bacino, l’ambiente circostante e anche sulle catene, sacchi e travi di legno che si spezzano facendo scivolare la nave. E’ stato usato un vecchio software di simulazione di movimento per mettere insieme la scena.

Ma la scena che ha colpito di più è la battaglia finale sul Tower Bridge in costruzione. Tutta la scena è stata ricostruita facendo riferimento a vecchie fotografie riguardanti il ponte, gli edifici e tutto l’ambiente. La moderna Londra, nella zona del Tower Bridge, ha una dozzina di edifici che risalgono a quell’epoca, quindi tutto è stato ricreato in digitale, anche l’acqua è stata ricostruita in 3D e fino a mezzo miglio dal ponte è stato ricostruito tutto in digitale.  Vi è stato un lungo e preciso lavoro sul fumo e sul cielo rendendo questi due elementi vivi nella scena e non due parti della senografia, questi sono sempre in movimento, cambiano nella scena, come la loro luminosita.

Nell’immagine sotto si nota il set ricostruito in parte con i pannelli verdi (greenscreen) che verranno sostituiti in postproduzione con la Londra del ’800 ricostruita in digitale.

Ultima foto riguarda la scena in cui viene raccolto dal Tamigi Sherlock Holmes.  Si nota un bacino d’acqua con all’interno una barca con sopra gli attori e dietro pannelli verdi (greenscreen) , anche in questo caso i pannelli verdi verranno sostituiti con l’ambiente circostante al Tamigi.

Curiosità:

• Nel corso delle riprese a Londra, l’attore Robert Downey Jr., durante una scena di combattimento che lo vedeva complice di Robert Maillet, ha ricevuto un pugno in viso da quest’ultimo riportando una ferita che ha richiesto sei punti di sutura.
• Il 29 novembre, sempre a Londra, le riprese sono state interrotte per circa due settimane a causa dell’esplosione di un’autocisterna che fortunatamente non ha provocato ingenti danni e feriti.
• Al momento del suo arresto vengono imputate a Blackwood altre 5 vittime di sesso femminile, ritrovate in luoghi che, ricongiunti tra di loro sulla mappa di Londra formano una stella a 5 punte, con tutta probabilità si fa riferimento alle vittime (reali) dell’assassino anonimo conosciuto come Jack lo squartatore.

A CHRISTMAS CAROL

Diretto da Robert Zemeckis e prodotto da Walt Disney Pictures, adattamento cinematografico del racconto Canto di Natale di Charles Dickens.

Accreditata nella realizzazione degli effetti speciali e della computer grafica è la Image Movers Digital La caratteristica che la rende nota è la sua specializzazione nella tecnica del MoCap (Motion Capture), una delle pratiche per l’animazione di personaggi 2D e 3D.

Diversamente dai vecchi sistemi d’animazione in uso negli anni ’80 (quali i data glove e il sistema “mandala”) che permettevano, anche se in modo ancora grossolano e approssimativo, l’interazione tra movimento reale e movimento virtuale, la MoCap è una tecnica che si può definire innovativa. Il primo film che si avvale dell’utilizzo di questa tipologia d’animazione digitale è del ’96 ed è “L’isola perduta” di Frankenheimer.

Per la realizzazione della Motion Capture, generalmente, gli animatori si avvalgono di 16 punti macchina. Il soggetto viene ripreso con una tuta a sensori, che registra persino le espressioni facciali e digitalizza i suoi movimenti. La ripresa di questo soggetto avviene a 120 fotogrammi al secondo, realizzando, in ultimo, un’immagine a ralenty. Per mezzo di questo sistema, le informazioni sul movimento degli attori sono molteplici. Per facilitare il lavoro degli animatori vengono spesso utilizzati attori che abbiano la stessa struttura fisica, che il regista ricerca nel personaggio. Anche se le possibilità di modifica sono infinite.

Le riprese sono monitorate in real time e creano i movimenti del doppio virtuale dell’attore, dando così la possibilità al regista di controllarle in diretta sul computer. Il Performance Capture, in questo caso comunque, ha dato la possibilità a Jim Carrey, con il suo talento, di interpretare non solo il personaggio principale di Scrooge, ma di vestire i panni anche di tutti e tre gli spiriti del Natale.

Memorabili i movimenti di macchina che adotta il regista. Tra cui si segnala lo spettacolare piano sequenza (racconto con una sola inquadratura abbastanza lunga) iniziale tra i palazzi e i flying dolly (carrellata in volo) a seguire il volo di Ebenezer (in compagnia degli spettri) da un tempo natalizio all’altro.

curiosità:

Zemeckis ha più volte ribadito che Canto di Natale è una delle sue storie preferite soprattutto in tema di viaggi temporali. Per questa pellicola ha deciso di riutilizzare la tecnica denominata Cattura del movimento già mostrata in Polar Express e La leggenda di Beowulf.

Il film è stato prodotto con un budget di circa 200.000.000 di dollari incassando $318,481,366

Differenze con il libro:

Hearse Phantom la scena si sposta al fantasma “del Natale ancora venire”.

L’ignoranza e la Want rapidamente crescere in una scena.Non nel libro.

Scrooge e lo Spirito  non sorvolano mari.

Nel libro, il fantasma  muore, ma scompare solo.

Non mostrano Scrooge maestro di scuola o di Ali Baba.

Non mostrano Belle con la sua famiglia.

Scrooge rientra nella propria tomba.

2012

Voglio consigliarvi, prima di inizaire a leggere questo articolo, un libro, si intitola “NAXOS – avanzare verso il passato” è un libro di avventura : http://libronaxos.jimdo.com/

 

Film catastrofico diretto da Roland Emmerich, prodotto da Centropolis Entertainment, Sony Pictures e distribuito dalla Sony Pictures.

Roland Emmerich e Harald Kloser hanno scritto la sceneggiatura di questo film e hanno venduto i diritti alla Sony Pictures.

Per realizzare questo film ci sono voluti 200.000.000 $.

La responsabilità degli effetti speciali è stata affidata alla Sony Pictures Imageworks e le scene sono state girate ai Vancouver Film Studios.

Più di 100 artisti hanno lavorato sui 1300 effetti speciali presenti nel film, tra cui eruzioni vulcaniche,terremoti e inondazioni.

Gli artisti presso la società VFX Uncharted Territory hanno costruito dei blocchi di città in 3D con 60.000 immagini ad alta definizione come riferimento. Poi sono stati eseguiti i ritocchi finali.

Il regista, spiegando una delle tantissime scene, ha ripreso i suoi attori in stanze con schermi blu (bluescreen) e posizionati su una piattaforma in acciaio, sotto questa vi erano delle pompe pneumatiche per simulare terremoti e movimenti del suolo causate da crolli vari. Questo per avere una reazione naturale degli attori al movimento del finto suolo ricostruito poi in post produzione in 3D.

La Digital Domain, con la supervisione di Mohen Leo, ha lavorato sulla seconda parte del terremoto e su Washington DC dopo che è stata colpita da una nube di cenere vulcanica. Lo si era stabilito da subito che tutto l’ambiente e la distruzione doveva essere creato in 3D. Sono stati creati palazzi, strade, alberi, vetture ecc.  Ad ogni oggetto creato in 3D si è dato un effetto particolare nella scena ed è stato dato anche una secondo effetto grafico, una revisione aggiuntiva per rendere il più realistico possibile la scena finale. Grazie ad un software chiamato Drop hanno potuto gestire al meglio la rottura di palazzi e i crolli, ad esempio, lavorando e simulando su pezzi geometrici. In un terremoto ogni cosa si move ed è soggetta alla scossa, quindi anche in animazione 3D doveva essere così. Il regista ha voluto che il terremoto venisse realizzata e visualizzato come un’onda che si muovesse, alzando strade,suolo, case e tutto ciò che vi era. Questa è stata la parrte più difficile da realizzare.

Nella scena sotto si possono vedere i passaggi per realizzare una scena del film. Nella prima foto si notano gli attori che recitano la loro parte su una piattaforma con pompe pneumatiche, è stato ricreato una parte del paesaggio distrutto e al fondo vi sono i pannelli verdi (greenscreen). Nella seconda foto invece è stato inserita la scena creata in 3D con un altro software al posto dei pannelli verdi. Nella terza e quarta foto invece viene fatto interagire la scena realmente girata tra i pannelli verdi e la scena creata in 3D, sincronizzando ogni oggetto e persona nel dettaglio.

Anche la Double Negative, guidata da Alex Wuttke, ha collaborato nella realizzazione degli effetti grafici del film. Essi hanno lavorato sulla rottura della terra e la fuoriuscita della lava. Per realizzare le bombe di lava lanciate sulla città, la DN, ha fatto uso del software Maya, questo servito per il posizionamento e per la tempistica dell’animazione. I dati così forniti sono stati inseriti ed elaborati dall’altro software Houdini in cui si è fatto interagire tutto l’ambiente con la lava, l’impatto delle bombe di lava con il suolo, le varie esplosioni, rotture di strada e del terreno ecc. Lavorare su Houdini non è stato facile, hanno simulato la caduta di ogni singola bomba di lava, calcolando la traiettoria e la potenza con il quale impattavano sul suolo. Per gli ultimi ritocchi hanno spedito tutti i dati di nuovo su Maya, per effettuare il rendering.

La Sony Imageworks ha lavorato sulla stazione nel mezzo dei monti dell’Himalaya. Hanno modellato tutto in Maya e hanno lavorato molto sulla texturing Arche e sula raytracing fornito dal render Arnold. La ray tracing va a calcolare il percorso della luce e la sua interazione con l’ambiente circostante.

La corsa in limousine è stata realizzata posizionando l’autovettura in una stanza con pannelli blu (bluescreen),  la macchina è stata posizionata sopra ad una piattaforma con delle pompe pneumatiche per simulare le sterzate, buche e urti, solo gli attori erano reali. Fra le tecniche di simulazione computerizzata utilizzate dalla Sony Pictures per la realizzazione di questa scena c’è un software chiamato  Drive-A-Tron e sviluppato dalla Californiana Sway Studio. Si tratta di un software che permette di ottenere scene  3D credibili di automobili in movimento. Drive-A-Tron simula la dinamica dell’auto non solo tenendo conto di molti componenti come comportamento del corpo vettura, delle sospensioni, delle gomme e del tipo di terreno. Grazie a un vero posto guida dotato di volante, gli operatori possono condurre l’auto lungo il percorso.

Interessante è il cannone creato per lanciare le macchine, si tratta di un cannone che con aria compressa riesca a scagliare le automobili in aria, vetture ovviamente alleggerite

Concludo postando qui sotto le parole del regista per quanto riguarda il riferimento a Berlusconi :

“Volevamo che un capo di Stato di un Paese importante restasse indietro nella fuga perchè si era fermato a pregare Abbiamo scelto quello italiano”, dice Emmerich in un’intervista, che poi aggiunge “Non c’è dubbio che, in un caso come quello del film il vostro primo ministro sarebbe il primo a correre in Cina per salire sull’arca di Noè. Per dirla tutta, ha già comprato un posto”.

UP

Ecco un altro capolavoro della Pixar, film diretto da Pete Docter. Ci sono voluti 3 anni di preparazione per questo lungometraggio. Hanno speso moltissimo tempo per la storia,  per la realizzazione c’è voluto un anno e mezzo circa.
Carl Fredrickson ha la testa quadrata e grande, con pantaloni quadrati e le macchie della vecchiaia sono anche quadrate, a differenza delle rotondità che vi sono quando era piccolo. Nella casa le immagini di Carl sono chiuse in cornici quadrate, mentre le foto di Carl con Ellie sono in una cornice quadrate con un velo tondo. Questo fa capire il passaggio di vita, la trasformazione e il passaggio che ha avuto, appunto dal tondo al quadrato. Le sfida della Pixar su Carl è stata quella di rappresentare le espressioni facciali su una faccia rigida e quadrata. Questo personaggio è il piu’ complesso mai realizzato dalla Pixar stessa.

Per l’ispirazione di design, il carattere e il designer della produzione ha scelto l’opera di Mary Blair, un artista Disney che ha sviluppato il colore e lo stile di Cenerentola, Alice nel paese delle meraviglie, e Peter Pan, e che è stato supervisore artistico per film come I tre caballeros e Saludos amigos, set in Sud America.

Gli artisti hanno usato forme semplici e libere per creare l’ambiente giusto, quello di una favola appunto. Cespugli semplici, ombre stilizzate e una casa che facesse apparire Carl piccolo e rinchiuso, come se fosse in una casa delle bambole.

Le nubi sono volumetrico, costruito a partire da sfere utilizzando un sistema sviluppato da Alexis TD Angelidis.  In tutto il film, 400.000 diverse sfere di creare le nuvole, la tempesta utilizza solo 85.000.

Di diffusione della luce all’interno delle nuvole, TD John Pottebaum ha creato una mappa 3D di densità.

Il camino ha la fuliggine, ma se si guarda da vicino, si vede che la fuliggine è in realtà tratti del pennello fatto con un pennello a secco, come lo sono la corteccia degli alberi e la sporcizia sul volto di Russell.

TD John Reisch ha fatto le prove con la dinamica del corpo rigido con Open Dynamics Engine (ODE) attraverso Autodesk Maya che ha prodotto la proposta credibile che volevano, ma il sistema è stato in grado di simulare solo 500 palloncini.

Animare i vestiti di Carl, tuttavia, è diventato un problema tecnico. Per dare ai telespettatori la sensazione che si vive in un mondo in miniatura, i progettisti hanno aumentato le dimensioni del tessuto sulla giacca di lana.

Il problema con Russell era il suo volto a forma di uovo. E ‘fondamentalmente un palloncino.  Dandogli un mento per  separare la testa dal collo ha aiutato.

Quando Russell salta tutto si muove, i diversi strati di vestiti, una camicia, una fascia in alto, un fazzoletto in cima a quello, il suo cinghie zaino e lo zaino.
“Questo è l’abbigliamento più complesso che abbiamo mai fatto”, dice May.  “E poi, noi attribuiamo questi due personaggi complessi, Carl e Russell.

G.I. JOE: LA NASCITA DEI COBRA

Questo film arriva da una serie di cartoni degli anni ’60 esso è un misto di azione e fantascienza con un gran carico di effetti speciali diretto da Stephen Sommers, le case di produzione sono Di Bonaventura Pictures, Hasbro, Paramount Pictures ed è distribuito dalla Universal Pictures.

La Digital Domain ha lavorato sugli effetti speciali, ad esempio si è occupata del fantastico inseguimento tra le vie di Parigi di un Hammer super tecnologico e ben armato e ad inseguirlo vi sono i due protagonisti con delle tute molto particolari e una ragazza in moto,  gli effetti visivi sono notevoli e le risate assicurate, grazie a uno dei due protagonisti un po’ impacciato nella gestione di tale tuta. Proprio la Digital Domain ha fatto si che la Torre Eiffel crollasse divorata in parte da dei curiosi robottini in miniatura. La supervisione di questo lavoro è stato affidato a Bryan Grill. La produzione del film è stata girata in parte a Praga, soprattutto per quanto riguarda le scene di Parigi con i tre personaggi inseriti in un filmato realmente girato in cui si verifica il caos cittadino con moltissime macchine che esplodono, vengono urtate e lanciate in aria. Queste scene girate in città sono state ben studiate, perchè ognuna di queste, realmente girate nelle strade, dovevano poi essere integrate con i personaggi realizzati in computer grafica e non solo anche le varie esplosioni con fiamme sono state aggiunte in seguito e per questo lo studio della fotografia è stato importante. Sono state fatte delle scannerizzazioni dell’ambiente in cui si svolgeva la scena con la scansione LIDAR, che permette di rilevare le distanze di oggetti ed edifici con un raggio laser e questi dati sono stati poi passati in post produzione per la realizzazione di un video ibrido, in cui le scene reali si mischiano con le scene realizzate in 3D. I movimenti dei “buoni” sono stati registrati in greenscreen con dei sensori applicati al corpo degli attori, questa tecnica viene chiamata motion capture e poi modificati in computer grafica e inseriti nella scena cittadina. Una difficoltà è stata quella della velocità con cui i personaggi si muovevano in questo inseguimento, infatti i movimenti di telecamera doveva noessere sincronizzati con i movimenti dei personaggi che sfrecciavano tra le strade parigine.

La scena in slow motion dei due personaggi che schivano i due razzi è stata realizzata in Maya con alcuni effetti ritoccati con Houdini. Il crollo della torre Eiffel nella Senna è stata complessa, ci sono voluti molti disegni prima su carta e poi sul Pc per avere l’effetto desiderato, i livelli di dettaglio sono enormi anche perchè vengoon fatti degli zoom alla torre mentre viene “mangiata”. Gli effetti per rendere al meglio il crollo della torre sono stati prima applicati ad un barattolo di latta.

Per realizzare l’unione dei robottini è stato utilizzato Storm, un sistema che gestisce bene le particelle in 3D, questa unione infatti è simile ad una polvere o nube gassosa, per questo è stato utilizzato un renderer che gestisce delle particelle.

Una scena particolarmente studiata è la scena girata in notturna con gli elicotteri che volano in cielo, ci sono degli ottimi giochi di luce e delle esplosioni realizzate con Houdini e RenderMan. I colori dominanti sono il giallo,rosso,verde e azzurro.

Hanno lavorato su questo film anche la CIS Hollywood e la CIS Vancouver. Essi hanno realizzato molte scene in bluscreen, in una stanza completamente blu gli attori hanno dovuto recitare fingendo di essere immersi in un ambiente fantascientifico con mezzi inesistenti. Sono stati riportati su questi pannelli dei punti di riferimento per gli animatori che avrebbero aggiunto in postproduzione gli effetti digitali e sono state molto importanti le luci e il loro posizionamento all’interno della stanza completamente blu. Quando uno degli attori diventa invisibile mettendosi una speciale tuta in realtà il persoanggio vero è stato sostituito con uno completamente creato in 3D con l’effetto trasparenza, i movimenti di quest’ultimo sono stati registrati da un’attore con dei sensori sul corpo (motion capture). Tecnica diversa da quella utilizzata in altri film per avere lo stesso effetto come in Harry Potter e il suo mantello magico in cui è stato utilizzato in realtà un telo verde, sulla quale poi, è stato proiettato , grazie al pc, quello che c’era dietro l’attore dando l’effetto trasparenza.

Anche la Prime Focus VFX ha collaborato agli effetti speciali, tra le scene realizzate anche quella finale con l’aereo, scene realizzate completamente in 3D.

La battaglia subacquea è stata realizzata invece dalla The Moving Picture Company. Le esplosioni sott’acqua sono state realizzate in Flowline da Scanline. Hanno realizzato anche l’orso bianco, completamente realizzato in Maya con l’aiuto di RealFlow servito per creare l’acqua e l’effetto degli spruzzi.

I volti in trasformazione, la maschera di Destro e gli ologrammi sono stati realizzati dalla CafeFx.

Infine Framestore ha realizzato l’elicottero, il panorama di una Parigi all’alba e la portaerei, questi mezzi pensavamo fossero veri.

L’ERA GLACIALE 3 : l’alba dei dinosauri

Finalemente è arrivato anche il terzo film d’aminazione, dopo il grande successo con il primo cartone nel 2002 e quello del 2006 arriva nel 2009 il terzo episodio e speriamo non essere l’ultimo.
Esaminiamo il team dei tre episodi:

L’ERA GLACIALE :
-Regia: Carlos Saldanha, Chris Wedge
-Produttore: Catherine Winder, John C. Donkin, Lori Forte
-Casa di produzione: Blue Sky Studios
-Sceneggiatore: Peter Ackerman, Michael Berg, Michael J. Wilson
-Diatribuzione: 20th Century Fox
-Incasso mondiale : 383.200.000 $

L’ERA GLACIALE 2 :
-Regia: Carlos Saldanha
-Casa di produzione : 20th Century Fox
-Sceneggiatore: Peter Gaulke, Gerry Swallow, Jim Hecht
-Distribuzione: 20th Century Fox
-Incasso : 651.600.000 $

L’ERA GLACIALE 3 :
-Regia: Carlos Saldanha
-Produttore: John C. Donkin, Lori Forte
-Casa di produzione : Blue Sky Studios
-Sceneggiatore: Michael Berg, Peter Ackerman

Il regista è sempre rimasto Carlos Saldanha, regista del 1965 che ha realizzato un altro film in animazione , Robots nel 2005 ormai afferrato in questo genere. Tutta la trilogia è sata realizzata nei Blue Sky Studios, sono stati realizzatialtri cartoni in animazione come “Ortone e il mondo dei Chi ” e ancora “Robots”. A non cambiare è anche la casa di produzione mentre gli sceneggiatori del terzo episodio sono gli stessi del primo, non hanno “firmato” la sceneggiatura del secondo film. Infine gli incassi del secondo episodio sono quasi il doppio del primo e si aspetta altrettanto successo per “l’alba dei dinosauri”.

A realizzare questo film d’animazione sono gli animatori della Blue Sky Studios che hanno dovuto mettere tutta l’esperienza e quel pizzico di rischio per crescere e avanzare in questo mondo e rendere ogni effetto realistico. Sono stati fatti lavori sui fluidi,bolle,detriti,lava,neve e tanti altri effetti.
Una novità in questo film è la neve che ricopre la pelliccia di alcuni personaggi, mentre prima la neve e il corpo dei personaggi non interagivano, erano sempre asciutti nonostante il paesaggio pieno di neve. Questa volta grazie all’avanzamento tecnologico per realizzare le pellicce si è pututi far interagire la neve con i peli degli animali, infatti le particelle che compongono la neve si incastrano tra la folta pelliccia restandoci attaccata il giusto tempo per dare quel tocco di realismo in piu’.

TRANSFORMERS 2 : LA VENDETTA DEL CADUTO

Voglio consigliarvi, prima di inizaire a leggere questo articolo, un libro, si intitola “NAXOS – avanzare verso il passato” è un libro di avventura : http://libronaxos.jimdo.com/

 

Ecco il film con due personaggi che io adoro, Spielberg e Bay, non da sottovalutare il ragazzo che interpreta Sam, Shia LaBeou e per la gioia dei maschietti le bellissime Megan Fox e Isabel Lucas.

Il film viene prodotto dalla  Paramount Pictures, DreamWorks SKG, Hasbro, Di Bonaventura Pictures e distribuito dalla Universal Pictures.

Nel primo film sono stati realizzati 14 robots mentre in questo ben 42 e tra i nuovi ci sono molti che sono stati realizzati con rifiniture e armi particolari.

La Industrial Light & Magic si è occupata degli effetti speciali e i supervisori sono rispettivamente Scott Farrar e Scott Benza.

Per realizzare il modello di un robot ci sono voluti 12 settimane e altre 12-15 settimane per realizzare i movimenti.

La Digital Domain ha lavorato su alcuni dei nuovi bot  tra cui Alice, che somiglia ad uno mutante di X-Men.

L’archiviazione su file è stato di 150 terabyte, mentre il primo è stato archiviato con 20 terabyte.

I robot in questo film hanno più agilità e fluidità nei movimenti e soprattutto sono state curate meglio le luci. Le luci sono state studiate e realizzate dalla ILM. Essa ha realizzato anche la scena in cui Devastator rompe la punta della piramide, questo robot ha ben 80000 pezzi mentre optimus prime 10000. Devastator è alto 150 metri e nelle riprese IMAX lo è ancora di più. Per realizzare la distruzione della piramide ci sono voluti 7 mesi.

Per quanto riguarda le armi ce ne sono molte di più sia da parte dei Decepticons che da parte degli Autobots.

Il caduto si distingue dagli altri perchè è stato realizzato come se fosse vivo, e tra l’altro ogni robot ha una sua personalità ben studiata in preproduzione.

Sono stati fatti degli studi con Jetfire, il vecchio SR70, la produzione ha voluto dare piè espressione al volto e trasmettere così più emozione. Questo è stato possibile aggiungendo pezzi al volto e smorfie. Un obiettivo raggiunto sicuramente. La sua personalità e storia è stata anche studiata bene, èun veterano di guerra che è stanco di lottare per il male.

I combattimenti nel primo film sono corti e meno coreografati, nel secondo invece sono state aggiunte mosse di combattimento e coreografie particolari, questi combattimenti sono stati realizzati in Maya e per realizzare la lotta della foresta ci sono voluti 2 mesi.

Una cosa che si è messo in testa Bay era quella di vedere il volto dell robot elicottero spezzato a meta da Optimus, questa scena nella versione IMAX è leggermente più lunga.

Anche le ambientazioni sono aumentate , Shanghai, Betlemme ed Egitto.

curiosità :

- Su alcuni schermi IMAX, durante la scena del combattimento nella foresta, Optimus Prime apparirà a grandezza naturale;
- Il pugno di Devastator, nella scena della distruzione della piramide, viaggia a 630 km/h;
- La simulazione della scena della distruzione della piramide ha stracciato ogni record alla Industrial Light and Magic, risultando di ben otto volte più grande di qualsiasi altra simulazione precedente;
- Se si mettessero in fila tutte le parti dei vari Transformers esse coprirebbero una lunghezza di quasi 300 km;
- I componenti di Devastator, impilati uno sull’altro, raggiungerebbero un’altezza pari a 58 volte l’Empire State Building;
-Tutti i pezzi di robot messi in fila uno dietro l’altro creerebbero una linea da un confine all’altro della California, quasi 300 km;
-Se tutte le mappe di texture utilizzate fossero stampate su fogli di un metro quadro, riempirebbero 13 campi da football;
-Se aveste renderizzato l’intero film su un PC moderno casalingo, avreste dovuto iniziare a renderizzare 16mila anni fa per finirlo in tempo per la premiere;
-Una singola inquadratura IMAX del film avrebbe impiegato circa tre anni per il rendering su un computer di casa;
-Le inquadrature IMAX ci mettono 6 volte il tempo di una inquadratura anamorfica tradizionale per essere renderizzate: 72 ore;
-Le scene realizzate dalla ILM durano 51 minuti delle due ore e venti complessive del film;

UNA NOTTE AL MUSEO 2 : LA FUGA

Secondo episodio con Ben Stiller, Owen Wilson e Robin Williams.  Film diretto da Shawn Levy.

Gli effetti digitali sono stati realizzati dalla Rhythm & Hues e il supervisore è Raymond Chen.

Approfondirò in questo articolo la realizzazione di alcune scene  del film, il polpo,lo scoiattolo e la statua di Lincoln.

Ci sono alcune scene in cui Stiller viene spremuto da uno dei tentacoli del polpo, per dare maggiore credibilità è stata utilizzata una cinghia stretta attorno ad un braccio o alla vita dell’attore per simulare la stretta del tentacolo stesso.

Per far in modo che Stiller venisse trascinato dal polpo è stato utilizzato una semplice fune e per simulare il contatto con l’animale è stato utilizzato un tappetino verde con una sostanza liquida per rappresentare il liquido che avvolge il polpo, melma ritoccata poi in 3D.

La scena in cui il polpo spruzza dell’acqua è uno degli scatti piu’ difficili realizzati in questo film.

Prima cosa è stato realizzato il polipo in 3D. Successivamente è stata scelta la stanza del museo in cui si voleva che la scena prendesse vita. E’ stato posizionato una scatola con all’interno una pompa che spruzza acqua, questo meccanismo è stato ricoperto da un telo verde per facilitare, in postproduzione l’eliminazione dalla scena. E’ stata realizzata anche una sagoma gigante, non completa di tentaocli, del polpo, per dare un riferimento all’attore e agli animatori. Gli ultimi ritocchi sono stati fatti in digitale come ad esempio il quadro che tiene in mano Stiller che in realtà, sul set, era formato dalla cornice e basta.

Per quanto riguarda lo scoiattolo è stata piu’ semplice la realizzazione perchè non c’è interazione con attori reali. Lo scoiattolo è stato realizzato fedelmente in 3D , mentre l’attore che lo cavalca è stato ripreso in greenscreen su un modello gigante che rappresentava la parte posteriore della testa e tutta la schiena. Questo modello si muoveva e poi è stao applicato solo l’attore sullo scoiattolo creato in 3D. Sono stati anche coordinati i movimenti tra l’animale e l’attore calcolando tenendo in considerazione il baricentro di entrambi.

La statua di Lincoln è un’altra scena realizzata dalla Rhythm & Hues. La statua è stata realizzata completamente in 3D, mentre Stiller è stato sollevato per poco da terra tra colonne verdi, infatti la scena è stata girata totalmente in greenscreen. Anche la giacca dell’attore è stata creata in digitale.

Ci sono altri trucchetti in questo film, ad esempio quando Stiller entra nel museo e tutte le statue prendono vita in realtà al posto di questi vi erano delle palline tipo quelle da ping-pong verdi infilate a dei bastoncini lunghi.  Questo è servito a dare dei riferimenti concreti agli attori che stavano recitando sul set, questi riferimenti possono essere rappresentati da raggi lase, schiuma-core o sagome.

Chen ha dedicato 7 mesi alla post produzione, lavorando con molti software di animazione, come  Maya e Houdini.